Galeria de Arte
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Art Montpellier 2022



Art Montpellier 2022


del 17 al 20 de Noviembre de 2022




Montsequi Galería de Arte en Art Montpellier 2022

Foire Méditerranéenne des Arts Contemporains
Sud de France Arena - Montpellier
del 17 al 20 de Noviembre de 2022


Presentamos nuestra selección de artistas de la Galería que abarcan diferentes disciplinas:

Pintura:
Daniella Broseghini (Brasil)
Romero de Cuenca
Ángeles Cifuentes
Amparo de Flórez
Horacio Fernández (Chile)
Rodrigo Nevsky (Chile)

Escultura:
Laura Moret

Daniella Broseghini (Brasil) – Pintura

El Caos y el Orden

La artista Daniella Broseghini es una artista brasileño-italiana nacida en la ciudad de Niterói, Río de Janeiro. Es una pintora abstracta que valora los colores potentes que dialogan entre sí, una constante en su trabajo. El caos y el orden son fuente de inspiración para la artista Daniella Broseghini, estos se conectan en su mundo creativo, transmitiendo externamente tranquilidad, pero dentro de sí expanden su inquietud.

La necesidad de que el artista trabaje exige una energía lógica brutal donde provoca situaciones de caos en todo momento, con movimientos enérgicos, utilizando diversas técnicas y agregando diversas capas en su obra. Al final comienza a ordenar su pintura. Daniella no tiene miedo de correr riesgos en sus movimientos e intenciones, todo habrá quedado en la historia de la vida de la obra.

A lo largo de los años ha participado en diferentes exposiciones en Brasil, España, México, República Dominicana, Luxemburgo, entre otros, con gran número de premios en su haber.

Romero de Cuenca (España) Pintura

Agua

Marta Romero de Cuenca nace en Madrid en 1972 y estudia Restauración de Obras de Arte y después de varios años trabajando como interiorista, a partir de 2006 decide dedicarse en exclusiva a su pasión que es la pintura. Marta lleva muchos años mirando arrobada el agua, le atrae y le fascina ese mar que se encuentra siempre en continua evolución y que ejerce sobre nuestro espíritu un efecto sedante. “Mi objetivo es que la gente sienta paz cuando contempla una de mis obras”.

“Siempre pinto agua porque en ella encuentro lo que más necesito: calma, vida y hogar. Mis aguas son calmas e intento que sean vehículo de esa calma para los demás. Que en este mundo complicado y cambiante me lleven por un camino de quietud y de confianza. Que me hagan añorar momentos de paz. También son vida, la propiedad más grande del agua primordial que nos alumbró y para mí entrañan todas las posibilidades del porvenir bajo su enigmática superficie. Por último, son hogar, el entorno en el que me reconozco y me siento segura, el lugar al que siempre volver.”

Gran parte de sus obras se encuentran en colecciones privadas, entre otras, en Madrid, Bruselas y Estados Unidos (Florida). También han sido adquiridas por diversas instituciones:
Hotel Palacio de Luces (Asturias); Centro de Investigaciones Técnicas – CEIT (Guipuzcoa); KEYHELP - Consultoría (Madrid). Las últimas exposiciones que ha realizado Marta, desde 2019, son: NooN Consulting (Bélgica); Contemporary Art Ruhr (Alemania); Art 3f (Mónaco); Artist Experience y Galería Gaudí (Madrid); Festiarte (Marbella); Galería Javier Román (Málaga).

Ángeles Cifuentes (España) Pintura

“Enfoques”

Esta serie en la que sigo trabajando, refleja a personas o grupos de personas expectantes ante una cámar, individuos con sus pensamientos y sentimientos.
Alude a la forma que nos presentamos ante los otros y ante el mundo.
La Obra es muy sincera, de corte emotivo, muy colorista, con formas muy sintetizadas y predominando las tintas planas casi en su totalidad.

Expreso mis emociones frente al lienzo en blanco, sin más modelo que mi imaginación.

ARTISTA PLÁSTICA

Estudia Restauración de Pintura antigua en la Escuela de Arte y Antigüedades de Madrid.
Artes, con el profesor Manuel Franquelo (1.981), entre otros muchos.
Círculo de Bellas artes, y otras disciplinas.
Miembro de la Asociación Española de Pintores y Escultores, AEPE, y de la Fundación de Amigos del Museo del Prado.

Ha participado en un centenar de Exposiciones en distintas Galerias de Arte e Instituciones, Tanto en la Comunidad de Madrid, como a nivel nacional o internacional.
2022.-Exposición “Enfoques” Galería Montsequi , Madrid.
> Feria Internacional , Paris.
2020.-Participo en el libro de artistas, editado y publicado por el Ayuntamiento de Getafe, “Getafe con todas sus letras”.
>Obra seleccionada en varios Certámenes de la Asociación Española de Pintores y Escultores, AEPE.
2016.-Exposición Arévalo (Iglesia de San Martín).
>Exposición Ávila (Torreón de los Guzmanes – Diputación Provincial).
>Exposición Illescas (Santuario de la Caridad).
2015.-Seleccionada en Exposición comisariada por el crítico de arte Tomás Paredes, y Apadrinada por el pintor Eduardo Naranjo.
2014.-Exposición en Toledo (Palacio Arzobispal).
2012.-Exposición “Retratos del Alma” Palacio Garcigrande, Salamanca. Obra Social Caja Duero.
2010.-Feria Internacional, La Haya (Holanda).
>Feria Internacional, Gante (Bélgica).

Parte de su obra está en Colecciones particulares, Obispado de Getafe, y también figura en el Museo virtual de Getafe (Madrid).
Actualmente trabaja en la serie “ENFOQUES”:
Una obra muy sincera, muy colorista, de formas muy sintetizadas y predominando los colores planos casi en su totalidad.
Reflejo grupos de personas expectantes ante una cámara. Individuos con sus pensamientos y sus sentimientos.
La obra alude a la forma en que nos presentamos ante los otros y ante el mundo.

El crítico de arte Antonio Calderón, lo resume de esta manera:
“Ángeles Cifuentes: pretende ofrecernos inequívocamente los argumentos necesarios a través de una serie de combinaciones que aparecen en sus obras, de cómo es el comportamiento del ser humano en distintos momentos de su vida, factor psicológico con los que juegan hacernos reflexionar en aquellos términos que son los más apropiados, para hacer causa común en lo referente de la relación hombre_ mujer. Aparte de estos términos su obra de Arte se puede definir dentro de los parámetros más elocuentes que puede tener una Artista como es ella, en lo referente a aquellas cuestiones que tiene que ver con el sentir de la vida, ya que está bajo el mismo prisma el color, la Luz y todo aquello que hace posible desarrollar una obra de Arte en tan buena sintonía, por aquello que todos y cada uno de sus personajes son fieles reflejos de sus inquietudes y emociones.”

Amparo de Flórez (España) Pintura

Para finales del siglo XIX un grupo de artistas heterogéneo dará un vuelco a lo que hasta el momento se llamaba pintura. En un mundo que aceleraba su crecimiento mediante la industrialización, estrechaba sus fronteras con el tren, y maravillaba al público con avances científicos como la fotografía; una nueva generación de pintores se preparaba para dejar a un lado las viejas normas y valores defendidos por la Academia. Se sentían encorsetados, incomprendidos y, sobre todo, llenos de un irreprimible deseo por la experimentación. De esta manera, despuntarán los llamados Impresionistas, cambiando la forma de representación tradicional siempre atada al anhelo de reproducir con infinito virtuosismo la realidad, una realidad acentuada por la idealización y el ilusionismo. Ante esto, los impresionistas se erigieron como defensores de la libertad creativa, saliendo de sus talleres a pintar au plein air, asumiendo la autonomía del color frente al tema, dislocando la construcción del espacio y creando el velo atmosférico tan característico de sus vaporosas composiciones. Una nueva forma de mirar lo impregna todo y el arte se convertirá en reflejo de la personalidad del artista.

En la pincelada ligera de Amparo de Flórez se evidencia este mismo interés por la observación, la investigación y la expresión íntima de la realidad. Rodeada de naturaleza desde su niñez -como indica la propia artista- le apasiona representarla con los pinceles y óleos. Su mirada se centra en encuadres en los que la naturaleza se muestra desbordante, con infinitos horizontes en los que despuntan hermosas encinas o frondosos arbustos de lilas en una esquina del jardín. Su mirada no pierde detalle, las horas, las estaciones, el paso del tiempo y la meteorología se convierten en actores principales de sus obras, generando atmósferas palpables que nos trasladan al instante. Al sonido de las cigarras y los lagartos sobre el manto seco de hierba en un caluroso agosto en la dehesa, el frescor que se despierta al amanecer cuando un curioso efecto óptico engaña a la vista transformando en azul el agrietado y oscuro tronco de las encinas o el salto de las abejas sobre las hermosas lilas en primavera. Todo está allí, como un perfecto concierto sinestésico, en el que el color despierta el sonido y a su vez el olor, y en contrapunto perfecto, nuestro tacto se enciende.

La pintura cobra vida, se despereza de esa asociación estricta con la realidad y aumenta sus capacidades sensoriales, simbólicas, al igual que ocurrió con las composiciones impresionistas. De la misma manera, la pintura se convierte en un espejo de la propia autora, refleja el amor por su tierra, su fascinación por el color y su conocimiento, y el deseo por aprehender cada instante, cada atmósfera, cada sensación sobre el lienzo o una antigua puerta de madera. Por lo que podemos observar en esta muestra, Amparo de Flórez logra resolver y transmitir de una manera muy acertada todas estas cuestiones.

By the end of the 19th century a group of artists, diverse in character,would shake up what, until then, was called painting. In an accelerating world growing through industrialisation, its borders narrowing due to the train, and the public dazzled with scientific advances such as photography; a new generation of artists prepared to set aside old norms and values defended by the Academy.They felt constrained, misunderstood, and, above all, filled with an irrespressible desire to experiment.

In this way, the so-called Impressionists, by changing the form of traditional representation, associated with the idea of reproducing reality with immense virtuosity, created a reality accentuated by idealism and illusion.

In the light of this, the Impressionists stood as defenders of creative freedom, leaving their studios to paint in the open air, assuming the autonomy of colour versus theme, disrupting the contruction of space and creating the atmospheric veil characteristic of their abstracted compositions. A new way of looking permeates everything and art becomes a reflection of the artist’s personality.

In the light brushstroke of Amparo de Flórez, this same interest in observation, investigation, and intimate expression of reality is evident. Surrounded by nature since childhood- as shown by the artist herself- she is passionate about representing it with brushes and oils.

Her gaze is focused in frames in which nature is shown full to the brim, with infinite horizons where beautiful holm oaks or leafy, lilac bushes sprout in a corner of the garden. Her gaze doesn’t miss detail; the hours, the seasons, the passing of time, and the weather turning into the principal actors of her works, generating palpable moods that convey us there instantly.

The sound of cicadas and the lizards on the dry surface of grass on a hot August day in the meadow. The coolness as dawn breaks when a curious optical illusion deceives the eye, transforming into blue the cracked and dark trunk of the oaks, or the jumping bees on the beautiful lilacs in spring.

Everything is there, like a perfect kinesthetic concert in which the colour awakes the sound and, in turn, the smell and in perfect counterpart, our touch is turned on. The painting comes to life. It wakes up from that strict association with reality and increases your sensory capabilities, symbolically, just like Impressionist compositions.

Likewise, the painting becomes a mirror of the artist herself, reflecting the love for her land, her fascination with colour and her knowledge, with the desire to grasp every moment, every mood, every sensation on the canvas or an old wooden door. So we can see in this exhibition, Amparo de Flórez manages to solve and, convey in a very successful way, all these issues.

Horacio Fernández (Chile) Pintura

“Universos de color”
"La naturaleza, en todas partes, se dirige al hombre con la voz que es familiar para su espíritu"

Alexander von Humboldt

En la obra de Horacio Fernández Munizaga resuena una voz que nos es familiar, seduciéndonos e invitándonos a la contemplación. En una primera aproximación, es evidente la importancia del color que se presenta como elemento estructurador. Es aplicado con una técnica de arrastre y superposición de capas, conformando un entramado armónico. Destaca la impresión de equilibrio consecuencia de la referida estructura horizontal y vertical. Sin embargo, este efecto convive con un cierto dinamismo originado por la utilización de una amplia gama de colores vivos y contrastados.

El color se impone con un profundo carácter retórico, dejando en evidencia las conexiones simbólicas de sus tonos, que como ocurre en la música, es capaz de despertar infinidad de sensaciones en el espectador. De esta manera, el artista convierte cada una de sus creaciones en experimentos, a través de los que investiga sobre las capacidades estéticas y metafóricas del arte abstracto. En el juego de la percepción visual, Horacio, nos enseña las discrepancias entre el hecho físico y el efecto psíquico.

El paisaje abstracto se convierte en el hilo conductor de su trabajo, aprovechando todas las capacidades expresivas inherentes al género, así como su naturaleza conceptual. Inspirado por la exuberancia y belleza de América del Sur, logra captar la esencia inaprensible de la naturaleza. Asimismo, guiado por un imperativo pulsional busca en el color el medio para materializar los estados anímicos del alma con una sutileza que las palabras no pueden alcanzar. Ambos motivos configuran un corpus de trabajo sólido, atractivo y profundamente evocador.

Horacio Fernández Munizaga (Santiago de Chile, 1960), es un pintor autodidacta chileno-español, nacido en el seno de una familia de artistas e intelectuales.

Entre 1979 y 1984, estudió Ingeniería Comercial en la Universidad de Santiago (USACH), desarrollando a partir de esos años una larga trayectoria como empresario y emprendedor. Sin embargo, a partir del año 2004 funda junto a su hermano, Galería Trece; espacio dedicado a exhibir el arte contemporáneo y moderno de la escena local. Este lugar que por espacio de diez años funcionó en Santiago de Chile, tomó como punto de partida la extensa labor que su padre, Horacio Fernández Meriggio - pintor y hombre de teatro-, desarrolló en Chile entre 1955 y 1965, a través de Taller Trece, donde a fines de los años cincuenta expuso el entonces joven y hoy consagrado pintor Claudio Bravo. Por lo que el germen de la pintura siempre estuvo presente en la vida de Horacio, ya que en los años setenta dedicó sus esfuerzos al arte de los pinceles participando en diversas exposiciones y ferias que se organizaban alrededor de la escuela de Bellas Artes, ubicada en el corazón del parque Forestal en el Santiago del siglo pasado.

Sin embargo, a partir del 2015 Horacio se decide por tornarse un artista a tiempo completo, dedicando sus esfuerzos a desarrollar una pintura en donde el color se hace gesto como reflejo del paisaje que él recorre. Llevándolo a exponer a ferias, galerías e instituciones dedicadas al arte en ciudades tan distantes como: Buenos Aires, Dubai, lquique, Madrid, Milán, Nueva York, París, Talca, Valdivia, Viña del Mar y su natal Santiago de Chile. Exposiciones colectivas e individuales con gran éxito de ventas y asistencia de público. En palabras del crítico de arte y artista visual, Carlos Navarrete; "hablar de la pintura de Horacio Fernández no es simplemente prologar la obra de un pintor abstracto, sino más bien es narrar la pintura de un hijo de la pintura.

Rodrigo Nevsky (Chile) Pintura

“Sistema Imaginado”

Al observar las obras de Rodrigo Nevsky, no deja de ser un interesante viaje por las atmósferas líricas en donde la mancha, el gesto y la aguada; van dando a cada cuadro un aire de evanescencia intuitiva producto de cómo estos recursos se depositan en la tela. Asociando según el grado de transparencia o el cromatismo elegido, a la diversidad de microclimas que puede haber en un mismo paisaje o bien, tratar de asociar el título de la obra a la imagen pictórica siempre anclada en la poesía más que en el reduccionismo. Ello se entiende desde como el artista al utilizar la aguada y el chorreado, lo hace desde una búsqueda de otorgar al cuadro una armonía cromática, -pero al mismo tiempo-; referencial al panorama observado el cual ha sido condensado en estos recursos pictóricos.

"Borrasca", "ensenada", "bruma", "cenote"; son algunos títulos que permiten entrever el curso que ha tomado su pintura y en paralelo, traman un cruce entre el paisaje observado y el imaginado. Lo que a fin de cuentas da como resultado un conjunto de obras atadas al gesto y la mancha, lo que en algunos casos limita la mirada del espectador y en otras, la orienta".

Carlos Navarrete, enero 2022

Fragmento de "Panorama visual en la plástica de Rodrigo Nevsky"

Rodrigo Nevsky Fernández (Santiago de Chile, 1964); es un pintor chileno- español formado en la escuela de Arte de la Universidad Católica de Chile. En sus años de estudio destaca la influencia de sus profesores José Balmes y Gonzalo Cienfuegos, así como también la formación en el oficio de la gráfica y el color del académico Eduardo Vilches. Sin embargo, la visita en 1987 a una conferencia del artista cinético Julio le Pare, guiará sus pasos como artista visual y montajista de arte, ya que por espacio de varios años se desempeñó como encargado de montaje en el Centro de Extensión UC, montando en 1989 junto al maestro Le Pare en su muestra retrospectiva realizada en ese recinto.

A partir de los años noventa su trabajo se exhibe colectiva e individualmente en diversos lugares de Chile y el mundo. En el año 2004, funda junto a su hermano Galería de Arte Trece, dirigiendo este espacio en el que fomentó el arte emergente y consagrado en la escena cultural de Santiago, Chile hasta el año 2014. Tal iniciativa fue en memoria de sus padres, Horacio Fernández y Nena Munizaga quienes a mediados del siglo pasado dieron vida a la Galería de Arte Taller Trece, un comentado espacio de arte, en el cual se dieron cita los valores jóvenes de la pintura local, destacando entre otros a Claudia Bravo.

Actualmente Rodrigo Nevsky Fernández se encuentra dando vida a una serie de muestras individuales en diversas ciudades de Chile y Europa.

Laura Moret (España) Escultura

EQUILIBRIO

Este proyecto en todas sus fases permitirá hacer un recorrido por la oscuridad del ser (ignorancia), su descubrimiento de la luz (sabiduría) y el reconocimiento de sí mismo (el efecto que el color tiene en nuestras vidas), aunque somos iguales por naturaleza cada uno ve la vida de diferente manera. En concreto, la serie que se presenta, va relacionada con la tercera fase: la aceptación del Ser. Personalmente creo que todo es energía que se transforma, y el ser humano no es diferente. En el cuerpo hay cientos de lugares donde hay energía concentrada, pero hay puntos focales de fuerza vital relacionados con las energías física, emocional, mental y espiritual. Estos puntos energéticos son llamados Chacras y dan sentido al proyecto que se ha materializado.
El objetivo final es realizar una serie de trabajos escultóricos relacionados entre sí por una narrativa vinculante.
Equilibrio es una instalación que se compone de siete piezas similares: medias caras acabadas en su aspecto exterior con papel de seda. Este material poco usual en escultura le proporciona carácter propio a la obra dotándola de sensibilidad y un aspecto algo misterioso que integra adecuadamente el plano de color correspondiente que actúa simétricamente en todas las reproducciones.
Cada una de las siete caras que componen la obra, funciona por si sola; las medidas individualmente de cada una son 26x20x13 cm.
Junto a las caras, se exponen bolas de hierro, hechas a base de arandelas soldadas entre sí, que actúan como continente de partes del cuerpo (sobre todo manos), expresando sentimientos y estados de ánimo que sufre el ser humano a lo largo de su vida. El color de estas bolas complementa un proyecto de cromoterapia lleno de vida dirigido a producir sensaciones inquietantes a quien se para a observarlas. Equilibrio es la búsqueda insaciable de una armonía idealizada que nos hace mejorar y avanzar como seres humanos anhelando constantemente la compensación entre lo racional y lo emocional. La finalidad es encontrar la verdad de nuestra identidad, el secreto de nuestro propio conocimiento.
No se puede avanzar mirando solamente hacia adelante, hay que conectarse al pasado y confiar que sus cuestiones encajarán en el futuro. Hay que confiar en algo, en el instinto, el destino, la vida, lo que sea, hay que mirar lo sucedido para entender lo que está pasando. Todo ocurre por algo, en ocasiones la vida te golpea fuerte, pero tienes que buscar aquello que amas para seguir avanzando, y aquello es válido en todos los aspectos de la vida. No hay que detenerse, finalmente eliminas lo viejo y dejas paso a lo nuevo.
La finalidad del trabajo en sí es la exploración de uno mismo, la búsqueda de la felicidad y el equilibrio a través de la aceptación personal. Una obra dirigida a cualquier persona con cierta sensibilidad e inquietudes similares.
Se realiza un crecimiento personal, en el que intento plasmar como me siento, como soy y que pretendo conseguir con un proceso constante de aprendizaje. Aunque somos seres únicos, hay necesidades o preocupaciones generales comunes a un conjunto de la sociedad al que se puede ayudar mediante el arte, su estética alegórica y el significado que le queremos dar a las obras.