Daniella Broseghini

El caos y el orden

La artista Daniella Broseghini es una artista brasileño-italiana nacida en la ciudad de Niterói, Río de Janeiro. Es una pintora abstracta que valora los colores potentes que dialogan entre sí, una constante en su trabajo.

El caos y el orden son fuente de inspiración para la artista Daniella Broseghini, estos se conectan en su mundo creativo, transmitiendo externamente tranquilidad, pero dentro de sí expanden su inquietud.

La necesidad de que el artista trabaje exige una energía lógica brutal donde provoca situaciones de caos en todo momento, con movimientos enérgicos, utilizando diversas técnicas y agregando diversas capas en su obra. Al final comienza a ordenar su pintura.

Daniella no tiene miedo de correr riesgos en sus movimientos e intenciones, todo habrá quedado en la historia de la vida de la obra.

A lo largo de los años ha participado en diferentes exposiciones en Brasil, España, México, República Dominicana, Luxemburgo, entre otros, con gran número de premios en su haber.

Menchu Uroz

Mujeres de agua

La búsqueda de nuevas temáticas y formas de expresión es lo que conduce mi evolución artística, unido a mi inquietud y el propósito de ser coherente con mi forma de trabajo, evitando encasillarme en una idea pragmática. Cuando inicio una serie y suelto otra, me genera un gran esfuerzo y muchas semanas de trabajo en las que realizo diversos bocetos, construyo, destruyo, investigo, hasta que un buen día descubro lo que quiero decir.

“Mujeres de Agua” es la nueva serie inspirada en la mujer y en la naturaleza, en el agua y en los espacios abiertos, en la luz y en las sombras, en el color y en el dibujo...

Tras unos años utilizando el acrílico sobre madera en la que conservaba las betas de esta, he sentido la necesidad de retomar el óleo, combinándolo con el dibujo en carboncillo y con el collage. Siento que este nuevo trabajo se acerca más a la parte más íntima y más espontánea de mi obra, esa que no suelo mostrar y que está en mis libretas de apuntes, en papeles reciclados, en cartones o tablas antiguas.

El origen de esta temática surge a raíz de unas acuarelas sobre buceadoras que me llevaron a unas mujeres japonesas cazadoras de perlas, las Ama. De esta fusión, de mi tendencia a inspirarme en la naturaleza y de mi propio estilo, surgen estos espacios oníricos y de momentos idílicos en los que el agua se convierte en infinito, sin horizonte a la vista. Las barcas navegan entre montañas, entre árboles. Las figuras contemplan el paisaje con casas flotantes donde está su hogar y bajo sus pies los peces y la vegetación se mueven entre el agua y la tierra.

La pieza “Día Azul”, muestra una escena diurna que representa una mezcla entre un bosque y un mar. La figura principal contempla lo que hay a sus pies. A lo lejos, se proyectan tres mujeres que podrían ser una en movimiento. En el fondo hay un paisaje entre el bosque y el mar, con árboles, islas, casas y barcas. En la parte inferior hay azul, agua, vegetación, peces, hojas... en movimiento. En cuanto a la técnica, el óleo fluye sobre el lienzo y el collage. El carboncillo se mezcla con el óleo y marca algunas zonas de la obra.

Las dos obras “Origen Azul” y “Origen Tierra”, representan escenas de agua con montañas al fondo, barcas y personajes que navegan o danzan con los pies en la tierra. Sobre papel de estraza trabajo con tinta, acrílico, lápices de carboncillo y pigmentos naturales y los presento enmarcados en marco de vitrina de color blanco.

Menchu Uroz es Licenciada en Bellas Artes por la Facultad Sant Jordi de Barcelona y ha participado en un curso impartido por Antonio López, Cátedra Francisco de Goya (Ávila). Ha realizado exposiciones individuales en galerías y ferias de arte a lo largo del territorio español y en países como Suecia, Francia, Portugal, entre otros.

José Macías

Mi obra no pretende ser una copia de la realidad. Muy al contrario, lo que pretendo es crear un mundo paralelo donde los paisajes son evocados, intuidos, aprehendidos de la fragilidad de un recuerdo, de la emoción de un instante. Una especie de flash emocional donde la memoria recupera un paisaje como una ensoñación, como un chispazo originado por un leve archivo de memoria que pulula por nuestra cabeza y que a veces quiere cobrar vida de nuevo. Por eso no se parecen a la realidad, ni falta que les hace.

Esos paisajes se traducen en un lenguaje distinto y emocional. Mi pretensión es que el espectador al contemplarlos sienta que revive un conjunto de emociones y sensaciones de algún recuerdo que flota o reside cobijado en algún pliegue ignoto de ese inmenso cajón que conforma la memoria. Se trata de pintura-pintura, visceral y primigenia sin más pretensión.

José Macías es un artista plástico que ha expuesto en diferentes galerías y ferias de arte a nivel nacional.

Crisdever

Geológica

El gran naturalista y padre fundador de la ecología Alexander von Humboldt publicó una de sus obras fundamentales y desde luego la más querida por el autor, titulándola “Cuadros de la naturaleza”, en la que profundiza en las relaciones entre naturaleza y arte. Humboldt opinaba que la imaginación es tan necesaria como el pensamiento racional para comprender el mundo natural, y que la naturaleza debe experimentarse a través del sentimiento.

De hecho, tanto artistas como científicos necesitan recurrir a la imaginación, ya que el trabajo combinado y recíproco de ambas pulsiones ayuda en la exploración de una realidad que no se conoce completamente.

La pintura brinda la libertad para moldear la pura presencia de los paisajes geológicos a través de la forma, la textura y el color, ampliando así el conocimiento en un campo tan apasionante.

La geología fue la disciplina que preparó la mente de Darwin para su teoría de la Evolución, abriéndole una nueva visión del mundo que le brindó capacidades de trabajo científico como la observación, la creatividad, el sentido crítico, etc., capacidades que son también inherentes y propias de la práctica artística.

De esta manera, Crisdever se vale de la pintura como método de observación y experimentación. Busca inspiración en sus viajes a zonas volcánicas, en el estudio de los fenómenos naturales y los paisajes que le rodean, volcándolo en su serie Geológica. Cristina Berasategui Verástegui, nacida en Vitoria-Gasteiz en 1984. Licenciada en Bellas Artes, diplomada en Diseño y Grabado y técnico superior en Fotografía Artística. Becada por la Fundación Real Casa de la Moneda en Madrid, se diploma en diseño gráfico y técnicas de grabado y estampación.

Ha trabajado en importantes empresas de moda y joyería, como responsable de imagen de la marca, fotógrafa y diseñadora gráfica. En los últimos años desarrolla su labor artística centrada en la pintura, escultura e instalación, participando en multitud de exposiciones en España y Francia, con gran número de premios en su haber. Compagina su trabajo de artista con la docencia en dibujo y pintura.

Cynthia Moran

Cynthia Moran estudió en el National College of Art de Dublin (Irlanda). Luego se trasladó a Londres (Inglaterra), dónde estudió escultura en St. Martin’s College of Art. Cuando llega a Madrid decide ampliar su formación en una escuela de Artes Aplicadas en Talla en piedra y en Talla en Madera.

Realizó prácticas con escultores de piedra como Enrique Cabildo y Rafael Mortol.

Su trabajo se desarrolla principalmente en bronce y piedra.

En el 2021 fue seleccionada en el 56 Premio Reina Sofía de Pintura y Escultura de la Asociación Española de Pintores y Escultores. También fue invitada en numerosos Simposios, Salamanca, Portugal y en Irlanda en The Sculpture Center en Manorhamilton, Co. Letrim. Cynthia Moran creció en un ambiente artístico, es hermana de la pintora Frances Bunch Moran.

Sus esculturas se pueden encontrar en espacios públicos como el Parque Picasso de Salamanca, en Borba, Portugal, en St. Mary’s Church y Mespil Road en Dublin y en la Iglesia Ballyhahill en Co. Limerick.

Itziar Sánchez Chicharro

Pasan los días volando, vamos corriendo de un lado a otro, sin valorar las pequeñas cosas, pequeños gestos. Me gusta detenerme, observar y conservar esos recuerdos.

Me atrapa la naturaleza, siempre volviendo a mi mar, el Cantábrico. Me eclipsa mirar las olas, la inmensidad de la naturaleza, salvaje, libre y que nos da lecciones diarias, sin mirarse al ombligo, sin abundancias y sin el bullicio que producimos. Nos volvemos pequeños ante su inmensidad.

En contraposición, también me interesa el retrato, sobre todo la psicología del retratado. En este caso, la risa o alegría, pasando por distintas generaciones, desde una sonrisa sincera e inocente de una niña, a una madura y experimentada de una anciana.

Todo ello toma cuerpo en estas obras marcadas por lo sustancial, tanto en el aspecto formal como en el contenido.

Itziar Sánchez Chicharro (Avilés, 1991). Comencé mi carrera artística en Asturias, aprendiendo a pintar con la artista Encarnación Domingo y posteriormente con el pintor y escultor Amado “Favila” González Hevia. En 2014, me licencié en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca con especialidad en Pintura y Diseño Gráfico.

He realizado varias exposiciones individuales y colectivas entre Asturias, Salamanca, Cádiz y Barcelona y tengo obra en instituciones públicas cómo la Autoridad Portuaria de Avilés y en importantes colecciones privadas de España y Malasia.

Manuel Vega

Como todo artista, Manuel Vega, intenta expresar los sentimientos y situaciones que en la vida normal no es capaz de expresar. El oficio de escultor le acompaña desde su niñez, ya con catorce años de edad hacía esculturas en arcillas, luego pasó a la madera, para finalmente trabajar el hierro. A través del hierro cortado, pletinas, tubos cuadrados, redondos y varillas de hierro cortado, sus piezas emergen tras el gran esfuerzo del doblado, y construyen un nuevo cosmos de intenciones y movimiento.

Manuel Vega (Badajoz, 1967) estudió Escultura y Modelado en la Escuela Arte y Oficios Badajoz. Ha participado en exposiciones individuales y colectivas en su ciudad natal. Su obra se encuentra en la colección pública del Palacio de la Diputación Provincial de Badajoz.

Olga Navarro

Mi Pequeño Gran Mundo

En un mundo donde todo es superficial, no nos fijamos en esas pequeñas cosas que son lo que da forma al todo. En esta colección, he querido indagar en ese aspecto de la naturaleza.

Captando ese momento en cualquier elemento del espacio que me rodea; ya sea una flor, unas hormigas o una seta silvestre. Te paras a mirar detalladamente esa polilla o esa rosa y es cuando surgen las preguntas: cómo una polilla busca su cardo y no busca otra planta; en el caso de la rosa, cómo láminas enrolladas pueden tener tal perfume…

A nuestro alrededor podemos encontrar un mundo de pequeñas grandes historias que te harán pensar en el cómo y en el porqué, la naturaleza es sabia.

En cuanto a la manera de afrontar esta colección pictórica he querido dar el color al fondo mientras el primer plano o la figura a destacar queda en blanco y negro. En otras láminas, todo es color puesto que el detalle está dentro de ellas. Olga Navarro (1963, Bigastro, Alicante). Licenciada en Bellas Artes por la Facultad de San Carlos de la Universidad Politécnica de Valencia; también asiste a cursos monográficos en Arte y Oficios en Orihuela. Ha participado en exposiciones tanto colectivas como individuales en diferentes galerías y espacios culturales de Murcia, Alicante y Valencia.

Marta Romero de Cuenca

Agua

Marta Romero de Cuenca nace en Madrid en 1972 y estudia Restauración de Obras de Arte y después de varios años trabajando como interiorista, a partir de 2006 decide dedicarse en exclusiva a su pasión que es la pintura.

Marta lleva muchos años mirando arrobada el agua, le atrae y le fascina ese mar que se encuentra siempre en continua evolución y que ejerce sobre nuestro espíritu un efecto sedante. “Mi objetivo es que la gente sienta paz cuando contempla una de mis obras”.

“Siempre pinto agua porque en ella encuentro lo que más necesito: calma, vida y hogar. Mis aguas son calmas e intento que sean vehículo de esa calma para los demás. Que en este mundo complicado y cambiante me lleven por un camino de quietud y de confianza. Que me hagan añorar momentos de paz. También son vida, la propiedad más grande del agua primordial que nos alumbró y para mí entrañan todas las posibilidades del porvenir bajo su enigmática superficie. Por último, son hogar, el entorno en el que me reconozco y me siento segura, el lugar al que siempre volver.”

Gran parte de sus obras se encuentran en colecciones privadas, entre otras, en Madrid, Bruselas y Estados Unidos (Florida). También han sido adquiridas por diversas instituciones:

Hotel Palacio de Luces (Asturias); Centro de Investigaciones Técnicas – CEIT (Guipuzcoa); KEYHELP - Consultoría (Madrid). Las últimas exposiciones que ha realizado Marta, desde 2019, son: NooN Consulting (Bélgica); Contemporary Art Ruhr (Alemania); Art 3f (Mónaco); Artist Experience y Galería Gaudí (Madrid); Festiarte (Marbella); Galería Javier Román (Málaga).

Rodrigo Nevsky

1985

En los años 80, la férrea dictadura chilena se representa esquemáticamente a través de una serie de 13 retratos dispuestos de manera piramidal. ¿Qué son: víctimas o victimarios?, ¿qué los ordena: la justicia o el poder?, ¿se diferencia el orden social de la jerarquía? De esta manera, se incita al espectador a intercambiar de posición cada uno de los retratos, invitando a reflexionar sobre las lógicas de distribución del poder, destacando que para poder alterarlas primero hay que olvidar [cuestionar/reivindicar/empatizar/rechazar] su situación anterior.

Rodrigo Nevsky Fernández (Santiago de Chile,1964); es un pintor chileno - español formado en la escuela de Arte de la Universidad Católica de Chile. Con los años, ha ido construyendo una trayectoria sólida en su país natal, exponiendo diferentes galerías de arte, ferias e instituciones culturales en ciudades tan distantes como Hong Kong, Londres, Montpellier, Madrid, Milán, Nueva York, París, Lisboa, Buenos Aires, Dubai, y Roma.

En el año 2004, funda junto a su hermano Galería de Arte Trece, dirigiendo este espacio en el que fomentó el arte emergente y consagrado en la escena cultural de Santiago, Chile hasta el año 2014. Tal iniciativa fue en memoria de sus padres, Horacio Fernández y Nena Munizaga quienes a mediados del siglo pasado dieron vida a la Galería de Arte Taller Trece, un comentado espacio de arte, en el cual se dieron cita los valores jóvenes de la pintura local, destacando entre otros a Claudio Bravo.

Inés Bagüés

Inés Bagüés es una artista independiente. Trabaja y vive en Madrid, España.

El protagonista en sus obras es la captación de la naturaleza desde una vista cenital, expresada a través de texturas y explosiones de color. Esta combinación transmite una fuerza en todas sus obras.

Desde muy joven su inquietud por la pintura y el arte empieza a manifestarse en sus dibujos y bocetos.

En (2014), compagina sus estudios de Diseño de moda con la creación de una marca de ropa. Años después decide continuar su carrera profesional en la India, donde se trasladaría a vivir.

En este periodo de su vida en la India, capta la cultura de los colores, los paisajes del Rajasthan, Kerala, y Ladakh, que luego se reflejarán en todos sus cuadros. Predominan grandes formaciones geológicas que no siguen un patrón definido quedando abierta a la interpretación.

Tras volver de la India comienza a trabajar como diseñadora gráfica en una multinacional, conciliando esta actividad con la pintura, participando en importantes ferias de arte en Marbella y Madrid.

Pablo Ochoa

#HARDCORE

Es obvio que el corazón es símbolo y representación universal del amor, de los likes en redes sociales; es el emoji que envías a tu pareja o a tus hijos; es ese grafiti en la pared, el símbolo de cientos de marcas comerciales y mil cosas más.

Lo que tienes en tus manos es otra cosa.

No hay vida que no tenga el alma llena de cicatrices y marcas de golpes mejor o peor curados, las trazas de viejas heridas en un corazón solo hablan de su resiliencia y de la fuerza vital de su portador/a. La obra Hardcore es exactamente eso.

Los 40 corazones de la obra #Hardcore exhiben marcas y escaras que solo son pruebas de su afán de supervivencia, muestran que han sido más fuertes que lo que quiso dañarlos, que han vencido a la muerte -de momento- y que siguen en la brecha.

Respecto al acero como base de trabajo… el hierro debe pasar por la forja para ser acero, se funde con fuego y es golpeado con saña. Se le somete a todo lo que lo haga más resistente y más fuerte… se transforma y se elimina lo que sobra antes de convertirlo en algo superior, más perfecto y más noble. Con las personas pasa igual: quienes más han vivido, las personas que más dolor, más vicisitudes y más infortunios han superado, cuando sus heridas cicatrizan tienen indefectiblemente corazones brillantes y suaves. No digo que reflejen la luz de otros, es que brillan con luz propia.

Si sientes orgullo de estar vivo/a puede que tengas un corazón Hardcore.

Pablo Ochoa de Olza (Pamplona, 1968). Su formación ha sido ecléctica y atípica, ha transcurrido entre Nueva York, de manera autodidáctica; Alemania, Restauración de arte antiguo en el taller de E. Stock; y España, Diseño Gráfico y Programación de Robots de Pintura. Actualmente de su estudio salen obras en casi cualquier soporte, investigando sobre caminos no transitados. Crea pinturas y esculturas lejos de los caminos masificados procurando mantener los vínculos con su origen de artista urbano cuando el término aún no existía.